 |  |  |  |  |
Berlin, Martin Gropius Bau , bis 1. Dezember 2019
Vom 26. Juli bis 1. Dezember 2019 bietet die Ausstellung Garten der irdischen Freuden im Gropius Bau in der Zusammenschau politischer und poetisch-sinnlicher Positionen gleichermaßen Raum für Inspiration und kritische Reflexion: Über 20 internationale Künstler*innen interpretieren das Motiv des Gartens als eine erweiterte Metapher für den Zustand der Welt, um die komplexen Zusammenhänge unserer chaotischen und zunehmend prekären Gegenwart zu erforschen.
Seit Jahrhunderten arbeiten Künstler*innen mit dem Motiv des Gartens als Ort der Inspiration und kritischen Reflexion. In der heutigen Zeit, die durch einen radikalen Klimawandel und Migrationsbewegungen bestimmt ist, wird der Garten als poetische Ausdrucksform und Kristallisationspunkt fundamentaler Aspekte menschlicher Existenz zu einem Instrument, um unsere Gegenwart in all ihrer Komplexität und Widersprüchlichkeit zu erkunden.
Neben der klassischen Lesart des Gartens als einem abgeschlossenen und begrenzten Sehnsuchtsort voll meditativer, spiritueller und philosophischer Möglichkeiten, wird er in der Ausstellung als ein Ort der Dualität und des Widerspruchs sowie eine Metapher für einen Zustand des Ausgegrenztseins begriffen: als ein Grenzbereich zwischen Realität und Fantasie, Utopie und Dystopie, Harmonie und Chaos, Eros und Perversion, Natürlichkeit und Künstlichkeit, dem Ausgeschlossen- und dem Teilsein – ein Paradies, dem das bedrohliche Gefühl der Vertreibung innewohnt. Die zahlreichen Perspektiven der Ausstellung spiegeln sich auch in der Auswahl der präsentierten Medien wieder, die Installation, Performance, Film und Sound, Gemälde, Fotografie, Zeichnung und Skulptur umfassen.
Garten der irdischen Freuden reflektiert die Idee des Gartens auch politisch und aus unterschiedlichen kulturellen und philosophischen Blickwinkeln. Durch eine Vielzahl zeitgenössischer künstlerischer Positionen verhandelt die Ausstellung soziale, politische und ökologische Phänomene wie Migration, Kolonialisierung, Globalisierung, Kapitalismus sowie Gentrifizierung und zeigt Strategien, die den Garten subversiv instrumentalisieren und so zum politischen Nährboden formen. (off. press)
Berlin, Kulturforum Sonderausstellungshallen, September 5, 2019 – January 26, 2020
Micro Era. Media Arts from China
A special exhibition of the Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin and the Gesellschaft für Deutsch-Chinesischen kulturellen Austausch e.V. (GeKA e.V.), as part of the twin city anniversary of Berlin and Beijing. Funded by the LOTTO-Stiftung Berlin.
The special exhibition „Micro era. Media Arts from China“ at the Kulturfo- rum in Berlin will showcase media arts from multiple generations of Chi- nese artists. It is organised by a Chinese-German team of curators and features four artists who are currently based in China: Cao Fei (*1978), Lu Yang (*1984), Fang Di (*1987) and Zhang Peili (*1957).
From documentary film pictures, and the adapted use of classic film lan- guage to the aesthetics of Japanese anime, the works of art in this exhibi- tion focus on and explore relationships between mind, body and technolo- gy, with installations and single-channel-videos ranging from the 1990s to the present. The title „Micro Era“ refers to the eponymous short story by the widely translated and published Chinese science fiction author Cixin Liu (2013) that tells of a future far from the belief in human predominance.
Historically, within a Euro-American context, video art is often regarded as a democratising art form – through the rapid circulation of information and global events by fast-access technologies. The artists participating in the exhibition scrutinise this thesis of democratisation by reflecting in their visual language the mass production of goods as well as how images and virtual subjectivities are produced and consumed. What role does the hu- man play in a time of digital consumption? How do the artists understand their world through imaging technology, then and now? (off. press)
Mannheim, Kunsthalle, 27. September 2019 bis 19. Januar 2020
Die große Herbst-Ausstellung „Inspiration Matisse“ eröffnet am 26. September 2019 in der Kunsthalle Mannheim.
2019 ist es 150 Jahre her, dass der französische Maler, Graphiker und Bildhauer Henri Matisse (1869–1954) geboren wurde. Matisse hat die Kunst des 20. Jahrhunderts nachhaltig geprägt – in seinem Heimatland, aber auch international. Matisse setzte neue Maßstäbe und verblüffte durch unkonventionelle Malerei. Schon um 1905/06 ließen sich zahlreiche Künstler der Avantgarde von seiner farbtrunkenen, expressiven Malerei inspirieren, allen voran André Derain, der mit jugendlichem Ungestüm auch umgekehrt auf Matisse Einfluss ausübte.
In der großen Herbst-Ausstellung „Inspiration Matisse“ zeigt die Kunsthalle Mannheim mit gut 125 ausgewählten Gemälden, Plastiken, Keramiken und graphischen Arbeiten die eindrucksvolle Entwicklung von Matisse als „Künstler für Künstler“. Gleichzeitig spürt die Schau seinen Anregungen im Werk geistesverwandter Zeitgenossen in drei zentralen kunsthistorischen Feldern nach: im französischen Fauvismus, dem deutschen Expressionismus sowie unter den deutschen Schülerinnen und Schülern der Académie Matisse. Ausgehend vom zentralen Thema der Figur und des Aktes im Raum, weitet sich der Blick auf Landschaftsbilder und mediterrane Szenerien bis zu Porträt und Stillleben.
Neben Matisse präsentiert die Mannheimer Ausstellung zentrale Werke von André Derain, Georges Braque, Charles Camoin, Kees van Dongen, Raoul Dufy, Henri Manguin oder Albert Marquet ebenso wie von Ernst Ludwig Kirchner, Alexej von Jawlensky, August Macke, Gabriele Münter und Max Pechstein und schließlich von Rudolf Levy, Oskar und Margarete Moll, Hans Purrmann und Mathilde Vollmoeller. Die kostbaren Leihgaben aus Museen und privaten Sammlungen reisen an aus Belgien, Dänemark, Frankreich, Großbritannien, Norwegen, Schweden, der Schweiz, Spanien und den USA. Die verschiedenen künstlerischen Positionen treten in einen offenen Dialog und ermöglichen neue Perspektiven. Dabei geht es nicht darum, vermeintliche oder tatsächliche Einflüsse und Abhängigkeiten zu suggerieren, sondern motivische und malerische Affinitäten in der Ästhetik aufzuzeigen und die Betrachter zur eigenen Anschauung anzuregen.Es wird deutlich, dass Matisse formal wie inhaltlich neue Wege wies und zugleich wie ein Katalysator für jeweils individuelle künstlerische Befreiungen wirkte. (off. press)
Paris, Centre Pompidou, to 20 January 2020
The last major french exhibition of this artist’s work was held in 1996 at the centre pompidou. More than twenty years later, Bacon : Books and Painting presents paintings dating from 1971, the year of the retrospective event at the national galleries of the grand palais, to his final works in 1992. Didier Ottinger is the curator of this innovative exploration of the influence of literature in Francis Bacon’s painting.
The exhibition includes six rooms along the gallery, placing literature at the heart of the exhibition. these rooms play readings of excerpts of texts taken from Francis bacon’s library. Mathieu Amalric, Jean-Marc Barr, Carlo Brandt, Valérie Dreville, Hippolyte Girardot, Dominique Reymond and André Wilms read from Aeschylus, Nietzsche, Bataille, Leiris, Conrad and Eliot. Not only did these authors inspire bacon’s work and motifs directly, they also shared a poetic world, forming a ‘spiritual family’ the artist identified with. each writer expressed a form of ‘Atheology’, a distrust
of any values (abstract beauty, historical teleology or deity, etc.) likely to dictate the form and meaning of ways of thinking or of an art work. From Nietzsche’s fight against the ‘backworlds’ to Bataille’s ‘Base Materialism’, Eliot’s Fragmentation, Aeschylus’ tragedy, Conrad’s ‘Regressionism’ and Leiries’ ‘sacred’, these authors shared the same amoral and realist vision of the world, a concept of art and its forms liberated from the a priori of idealism.
The inventory of Francis bacon’s library, undertaken by the Department of history of art and architecture at trinity college Dublin, lists more than a thousand works. While denying any ‘narrative’ exegesis in his work, Francis bacon, nevertheless admitted that literature represented a powerful stimulus for his imagination. rather than giving shape to a story, poetry, novels and philosophy inspired a ‘general atmosphere’ ; ‘images’ which emerged like the Furies in his paintings. (off. press)