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Bunny Rogers, Untitled, 2018, © Bunny Rogers

Frankfurt/Main, ZOLLAMT, MMK 26. Januar 2019–28. April 2019

Bunny Rogers. Pectus Excavatum

Das Reale konstituiert sich in der permanenten Überschneidung mit dem Symbolischen und dem Imaginären. In welcher Gewichtung die drei Elemente sich verknüpfen, liegt am einzelnen Individuum wie an seiner Gegenwart. Im Werk von Bunny Rogers verschmelzen Affekt, Erfahrung, Identifizierung und Gemeinschaft, Fiktion und Realität, Imagination und physische Präsenz zu einem gegenwärtigen Subjekt, dessen veränderte Wahrnehmung für eine ganze Generation steht. 

Das Wissen über die wirbellosen Lebewesen in den nachtschwarzen Meerestiefen der Ozeane ist gering, die Imagination dagegen seit Jahrhunderten groß. So wurden Riesenkalmare in ihrem eigenen Lebensraum noch nie gesehen, einzig geschwächt und verwirrt im Hafen, tot am Strand oder in Mägen von Pottwalen. Ihre Sensorien wie ihr Verstand – so legen Studien an kleineren Oktopoden dar – sind hochsensibel, ihre Wahrnehmung ausdifferenziert. Da ihre Augen durch den vergleichsweise geringen Lichtverlust äußerst empfindlich sind, können sie in den Tiefen der Meere wahrnehmen, was uns verborgen bleibt. 

In ihrer Ausstellung Pectus Excavatum lässt die US-amerikanische Künstlerin Bunny Rogers (* 1990) eine Landschaft entstehen, in der Drinnen und Draußen, Bergspitzen und Meerestiefen ineinandergleiten und legt damit den Rahmen unserer so präzisen wie vereinfachten Vorstellungen von Natur offen, in denen Wissen und Erfahrung untrennbar mit der Imagination verbunden sind. Gerüche lassen Erinnerungen emporsteigen, die Hände gefrieren im Eis. Alle Elemente bewegen sich an der Grenze von Naturalismus und Fiktion, sie sind körperlich präsent wie digital, Erfahrungsraum und Bild zugleich. (off. press)

Sonja Ferlov Mancoba, Living Branches, 1935. Museum Jorn Silkeborg.

Kopenhagen, SMK, until 5 May 2019

Sonja Ferlov Mancoba: No-one creates alone

She only rarely exhibited her sculptures, put few on the market and lived most of her life in abject poverty. With the exhibition Sonja Ferlov Mancoba, the National Gallery of Denmark (SMK) brings to light one of the most important and uncompromising Danish artists of the modern age.

Yellowing newspaper cuttings, drawings, personal letters, conversations recorded on cassette tapes, school photographs and books. In the spring of 2017, SMK received seven crates full of archival materials from the Paris home and studio of the Danish sculptor Sonja Ferlov Mancoba (1911–84). With these materials came a unique opportunity for delving into new narratives about her life and art.

The archival materials formed the basis of a new, major monographic exhibition at SMK. The exhibition Sonja Ferlov Mancoba presents 140 works by the artist – including several original plaster and clay sculptures that have never been on public display before, shown alongside drawings, paintings and collages from the years 1935 to 1984.

The great community

A global outlook runs through all of Ferlov Mancoba’s art and life. At an early stage of her career she developed her own, powerful idiom – a plastic language that grew out of, among other things, a keen interest in non-Western culture. The seeds of that interest were sown back in the 1920s, when as a young girl Ferlov Mancoba was introduced to African art in the home of the Danish collector Carl Kjersmeier. She retained this enthusiasm all through her life, further nourished by her partner, South African artist Ernest Mancoba. The couple met in Paris in 1939, married in 1942 and stayed together for the rest of their lives with their son, Wonga, born 1946. (off. press)



Pierre Bonnard, Stairs in the Artist's Garden, 1942-4, National Gallery of Art (Washington, USA)

London, Tate Modern, until 6 May 2019


The C C Land Exhibition: Pierre Bonnard: The Colour of Memory

Tate Modern presents the UK’s first major Pierre Bonnard exhibition in 20 years, showing the work of this innovative and much-loved French painter in a new light. The exhibition brings together around 100 of his greatest works from museums and private collections around the world. It reveals how Bonnard’s intense colours and modern compositions transformed painting in the first half of the 20th century, and celebrates his unparalleled ability to capture fleeting moments, memories and emotions on canvas.

Spanning four decades from the emergence of Bonnard’s unique style in 1912 to his death in 1947, this exhibition shows how the artist constructed his vibrant landscapes and intimate domestic scenes from memory. At once sensuous and melancholy, these paintings express moments lost in time – the view from a window, a stolen look at a lover, or an empty room at the end of a meal. These motifs can be seen in breakthrough works like Dining Room in the Country 1913 (Minneapolis Institute of Art) in which he brought interior and exterior spaces together to create a vibrant atmosphere, while the bright colours of works like The Lane at Vernonnet 1912-14 (Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh) exemplify how his joyful palette could still evoke the poignancy of a moment gone forever.


The exhibition emphasises Bonnard as a 20th century artist who – like his friend and contemporary Henri Matisse – had a profound impact on painting and became an influential figure for later artists like Mark Rothko and Patrick Heron. Bonnard is repositioned as a man engaged with the world around him, revealing overlooked areas of his activities – from his frequent travels around France to his response to the First and Second World Wars. Alert to his surroundings, he developed unconventional compositions in his paintings of everyday life: his landscapes collapsed into layers of dense foliage, such as Summer 1917 (Fondation Maeght), and street scenes, as in Piazza del Popolo, Rome 1922 (private collection), were simplified into friezes. Perhaps most famously, his interior scenes like Coffee 1915 (Tate) and Nude in an interior c.1935 (National Gallery of Art, Washington) caught domestic life at uncanny moments and reframed them from snatched points of view. (off. press)


Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, From 19. Feb. to 26 May 2019


The Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presents a retrospective exhibition on the work of the French artist Balthasar Klossowski de Rola (19082001), known as Balthus. It is organised in conjunction with Fondation Beyeler in Riehen/Basel, where it is on show until January 2019, with the generous support of the painter’s family. 

Hailed as one of the great masters of twentieth-century art, Balthus is undoubtedly also one of the most unusual painters of his time. His diverse, ambiguous paintings, as admired as much as they are rejected, developed in virtually the opposite direction to the avant-garde movements. The artist himself explicitly stated that some of his influences in art historical tradition were Piero della Francesca, Caravaggio, Poussin, Géricault and Courbet. A closer analysis also reveals references to more modern movements such as New Objectivity and the devices used in the illustration of popular nineteenth-century children’s books such as Alice in Wonderland. His indifference – which could be described as ‘post-modern’ – of modern trends, Balthus developed a unique, personal figurative style that defies classification. His particular pictorial language characterised by bold forms and very marked contours combines the procedures of the Old Masters with certain aspects of Surrealism, and his images embody many contradictions, mixing calm with extreme tension, the dream world and mystery with reality, and eroticism with innocence. In his urban scenes and interiors but also in his landscapes and still lifes, the picture space becomes a stage set in which the viewer is invited to take part, while time appears to grind to a standstill. (off. press)

El Anatsui, Stressed World, 2011, Aluminum and copper wire, 174 x 234 inches (442 x 594.4 cm), © El Anatsui. Courtesy of the artist and Jack Shainman Gallery, New York
El Anatsui, Gbeze, 1979, Ceramic, manganese, © El Anatsui. Courtesy of the artist and Jack Shainman Gallery, New York

München, Haus der Kunst, 8. März - 28. Juli 2019

El Anatsui. Triumphant Scale

El Anatsuis Überblicksausstellung "Triumphant Scale" im Haus der Kunst ist seine erste Überblicksausstellung in Europa, und die bislang umfangreichste Ausstellung seines Werks. Sie erstreckt sich auf den gesamten Ostflügel des Hauses und zeigt zentrale Werke aus fünf Jahrzehnten künstlerischen Schaffens. Im Mittelpunkt der Ausstellung, die sich auf das Triumphale und Monumentale konzentriert, stehen die typischen Arbeiten aus Flaschenverschlüssen aus den letzten zwei Jahrzehnten – Werke von imposanter Präsenz und in schillernden Farben. Daneben werden auch die weniger bekannten Holzskulpturen und Wandreliefs von Mitte der 1980er- bis zu den späten 1990er-Jahren gezeigt, Keramikskulpturen aus den 1970er-Jahren sowie Zeichnungen, Drucke und Skizzenbücher.

Die Ausstellung zeigt El Anatsuis unermüdliche Beschäftigung mit der Frage, wie aus den reichhaltigen plastischen Innovationen klassischer und traditioneller afrikanischer Kunst ein zeitgenössisches Skulpturkonzept entwickelt werden kann. Beharrlich hat El Anatsui auf eine Transformation der formalen und plastischen Möglichkeiten des afrikanischen skulpturalen Idioms hingearbeitet und sein Material und seine Kompositionstechniken immer wieder und mit erstaunlichem Effekt neu formatiert – von den frühen kleineren, mit gekratzten Markierungen versehenen Holzreliefs und zerbrochenen Keramikformen bis zu den monumentalen Zementskulpturen unter freiem Himmel und den jüngsten sehr großen, spektakulären Wand- und Bodenarbeiten aus Metall, die die Grenzen zwischen Plastik, Malerei und Assemblage verwischen. Unter El Anatsuis Händen verschmelzen Licht, Form, Farbe, Transparenz und Körperlichkeit zu beeindruckenden und triumphalen Kunstwerken.

El Anatsuis Broken Pot-Serie aus den 1970er-Jahren zeichnet sich durch den Einsatz von negativem Raum und durch Fragmentierung als Strukturprinzip aus und ist als metaphorische Aussage über Leben, Geschichte und Gedächtnis zu lesen. Die Holzarbeiten des nächsten Jahrzehnts stellen Intimität her, und zwar weniger durch ihre verhältnismäßige Kleinheit als vielmehr durch die eingeritzten Markierungen, die von den Adinkra-Zeichen der Akan, den Uli-Motiven der Igbo oder durch westafrikanische Schreibsysteme wie die Nsibidi-, Bamun- und Vai-Schriften inspiriert sind. Die Holzskulpturen weisen auch charakteristische gestische Markierungen auf, die mit einer Kettensäge angebracht wurden. Die etwa ab 2000 entstandenen Metallskulpturen schließlich überwältigen den Betrachter durch ihre Pracht und imposante Größe, faszinieren aber, wenn man näher herangeht, auch durch ihre juwelenartigen Details. (off. press)


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