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Wien, Kunsthistorisches Museum, Kunstkammer Wien Wiedereröffnung der Kunstkammer Wien Die Kunstkammer Wien ist weltweit die bedeutendste ihrer Art und ab 1. März 2013 wieder für alle zugänglich. Die Kunst- und Wunderkammern[mehr]
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Madrid, Museo Thyssen‐Bornemisza, 5 February to 12 May 2013
IMPRESSIONISM AND OPEN‐AIR PAINTING.
Curator:r: Juan Ángel López‐Manzanares
By the time the First Impressionist Exhibition opened to the public in 1874, open‐air painting had been in existence for almost a century. While not the inventors of this type of painting, it wasundoubtedly the Impressionists who took it to its maximum expression. The aim of the first exhibition at the Museo Thyssen‐Bornemisza for 2013 is to analyse the origins and growth of this new approach in art, starting with its earliest manifestation among late 18th‐century landscape painters and concluding with late, expressionist interpretations dating from the early years of the 20th century.
Impressionism and open‐air Painting. From Corot to Van Gogh is presented in the Museum’s temporary exhibition galleries from 5 February and brings together 116 works. Among the artists represented are pioneers of open‐air oil painting such as Pierre‐Henri Valenciennes and Thomas Jones, in addition to Turner, Constable, Corot, Rousseau, Courbet, Daubigny, Monet, Sisley, Renoir, Seurat, Van Gogh and Cézanne among many other key names. This extensive range of artists allows the exhibition to analyse the phenomenon of oil painting executed outdoors in its totality, as an artistic practice that offered new and unexpected possibilities for landscape painting and which revolutionised 19th‐century painting as a whole.
Open‐air studies: from the private to the public realm The custom of painting landscapes outdoors as understood today did not take root among artists until the 19th century. Traditionally, landscapes were produced in the studio in accordance with the classical rules of composition, tonal gradation, perspective etc. They did not represent nature as it was, but rather as it should be; an idealised setting of heroes and legendary figures from history... (off. press)
Hamburg, Bucerius-Kunstforum, 26. Januar bis 20. Mai 2013
Alberto Giacometti. Begegnungen
Mit Alberto Giacometti. Begegnungen präsentiert das Bucerius Kunst Forum einen der bedeutendsten Bildhauer des 20. Jahrhunderts. Erstmals zeigt eine Ausstellung umfassend Giacomettis Portraitkunst, die im Zentrum seines Schaffens steht. Giacometti suchte nach einem gültigen Ausdruck für das Bild des Menschen in der Moderne. Kopf und Gesicht waren dafür der Ausgangspunkt. Die rund 120 ausgestellten Skulpturen, Gemälde und Zeichnungen zeigen, wie aktuell diese Frage auch heute noch ist.
Nach seiner surrealistischen Phase fand Giacometti in den 1930er Jahren zum menschlichen Gegenüber zurück. Er wollte die Begegnung mit dem Anderen zum Ausdruck bringen. Darüber kam es zum Bruch mit den Surrealisten. Giacometti entwickelte eine Obsession für Gesichter. Immer wieder arbeitete er an Bildnissen seiner Eltern und Geschwister und seiner Frau Annette. Aber auch mit den Gesichtern seiner Freunde aus den Pariser Intellektuellenkreisen setzte er sich auseinander.
Die Ausstellung korrigiert das Bild des in sich gekehrten und auf sein Atelier bezogenen Einzelgängers. Im Paris der Nachkriegszeit war Giacometti feste Größe und begehrter Gesprächspartner in den literarischen und existentialistischen Zirkeln um Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir und Georges Bataille. In diesem geistigen Umfeld verabschiedete sich Giacometti vom Portrait im herkömmlichen Sinn. Er stellte den Blick als Äußerung des menschlichen Zueinanders heraus: Für Giacometti hing alles davon ab, ob er Blick und Gesicht eines Menschen in seiner Kunst lebendig werden lassen konnte...(off. press)
London,Tate Modern, Level 2, 21 February – 27 May 2013
In spring 2013, Tate Modern will stage the most comprehensive exhibition ever devoted to foremost Pop artist Roy Lichtenstein. Co-organised by The Art Institute of Chicago and Tate Modern, this will be the first major Lichtenstein retrospective for twenty years, bringing together 125 of the artist’s most definitive paintings and sculptures. Built on new research and scholarship, the exhibition will reassess Lichtenstein’s work and his enduring legacy.
Roy Lichtenstein (1923–1997) is one of the central figures of American Pop Art. In the early 1960s he pioneered a new style of painting, executed by hand but inspired by industrial printing processes. He became renowned for works based on comic strips and advertising imagery, coloured with his signature hand-painted Benday dots, as an ongoing examination of representation and originality in mass media culture. This exhibition will showcase such key paintings as Look Mickey 1961 (National Gallery of Art, Washington), Whaam!1963 (Tate), Drowning Girl 1963 (Museum of Modern Art, New York) and his monumental Artist’s Studio series of 1973–4. The artist’s rich and expansive practice will be represented by a wide range of materials, including paintings using Rowlux and steel, as well as sculptures in ceramic and brass and a selection of previously unseen drawings, collages and works on paper....(off. press)
Madrid, Museo Thyssen‐Bornemisza, 22 March to 9 June 2013
In the late 1960s a group of artists emerged in the United States who painted scenes and objects from daily life with a high degree of realism, using photography as the basis for their works and achieving international recognition at Documenta in Kassel in 1972. For the first time, the exhibition now presented at the Museo Thyssen‐Bornemisza offers a survey of Hyperrealism that starts with the great US masters of the first generation such as Richard Estes, John Baeder, Robert Bechtle, Tom Blackwell, Chuck Close and Robert Cottingham, continues in Europe with their influence on subsequent generations, and concludes in the present day. Hyperrealism is not a closed movement and today, more than forty years after it arose, many of the pioneering figures continue to be active while new artists deploy the photorealist technique in their creations. Artistic devices and motifs have evolved and changed over time but Hyperrealist works, with their incredible precision and degree of definition, continue to fascinate the public.
Organised by the Institut für Kulturaustausch (German Cultural Exchange Institute) and curated by its director, Otto Letze, this retrospective brings together 66 works from different museums and private collections. Having already been seen at the Kunsthalle in Tübingen (Germany), it now travels to the Museo Thyssen‐Bornemisza in Madrid where it will be on show until 9 June before moving on to the Birmingham Museum and Art Gallery (UK). (off. press)
Hamburg, Deichtorhallen HAUS DER PHOTOGRAPHIE, bis 23. Juni 2013
HARRY CALLAHAN - RETROSPEKTIVE
Harry Callahan (1912-1999) gilt als einer der innovativsten und einflussreichsten Fotografen der amerikanischen Fotografiegeschichte des 20. Jahrhunderts. Seine schöpferische Intensität, der ästhetische Stellenwert seines Werks im Kontext der amerikanischen Fotografie des 20. Jahrhunderts und auch die Tatsache, dass sich der Geburtstag des Künstlers 2012 zum hundertsten Mal jährte, nehmen die Deichtorhallen Hamburg zum Anlass, sein Werk in einer umfangreichen Retrospektive mit über 280 Arbeiten vom 22. März bis 9. Juni 2013 zu zeigen. Die Ausstellung ist die bislang größte Werkschau, die sowohl die in Schwarz-Weiß produzierten Silbergelatineabzüge des Künstlers als auch die im Dye Transfer Verfahren hergestellten farbigen Arbeiten einbezieht.
Als einer der Ersten überwand Harry Callahan die vorherrschende Ästhetik des Realismus, indem er die »New Vision«, die László Moholy-Nagy im New Bauhaus in Chicago etabliert hatte, und die sogenannte »Straight Photography« von Ansel Adams innovativ und hochsensibel fortentwickelte. Allein das New Yorker Museum of Modern Art würdigte Callahans fotografisches Œuvre zwischen 1946 und 1997 in insgesamt 38 Ausstellungen. Gemeinsam mit dem Maler Richard Diebenkorn repräsentierte Callahan 1978 die USA auf der Biennale in Venedig – als erster Fotograf überhaupt. Trotzdem wird Callahans facettenreiches fotografisches Werk in Europa noch immer als fotohistorische Rarität gehandelt. (off. press)
Berlin, Martin-Gropius-Bau, bis 29. Juli 2013
Johannes Itten und Paul Klee sind in der Geschichte der Kunst des 20. Jahrhunderts mit ebenso bedeutenden wie prominenten Farbenlehren hervorgetreten. Beide sind geprägt von der Vorstellung, dass die Ordnung der Farben als in sich geschlossener Kosmos der Farbe gesetzmässig strukturiert ist. Neue Quellen zeigen, dass sich beide Künstler auf gemeinsame geistesgeschichtliche, teilweise auch esoterische Quellen bezogen haben und sich gegenseitig anregten. Beide haben ihre Überlegungen zur Farbe in jahrzehntelanger Reflexion und Arbeit entwickelt und umfassend in ihren künstlerischen Werken berücksichtigt. Die Ausstellung ermöglicht durch die Präsentation von etwa 170 Arbeiten – darunter Gemälde, Zeichnungen und Grafiken – einen neuen Blick auf zwei zentrale Künstler der Klassischen Moderne im deutschen Sprachraum.
In chronologischer Gliederung und in acht großen Etappen gruppiert, zeigt die Ausstellung prominente Schlüsselwerke von Johannes Itten und Paul Klee. Der Fokus liegt dabei auf ihrer künstlerischen Auseinandersetzung mit dem Thema der Farbe. Es werden jeweils unterschiedliche Aspekte herausgearbeitet, wie die Themenkomplexe Farbe und Esoterik, Farbaura, Farbharmonie, Farbe und Abstraktion, Farbe und Natur, Teilung der Farbe. (off. press)
Berlin, Hamburger Bahnho, bis 18. August 2013
Martin Kippenberger: sehr gut | very good
Am 25. Februar 2013 wäre Martin Kippenberger 60 Jahre alt geworden. Aus diesem Anlass zeigt der Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin mehr als 300 seiner Werke auf 3000 qm Ausstellungsfläche.
Nach einem exzessiven Leben verstarb Kippenberger mit nur 44 Jahren. In der Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin wird ein Künstler ausgestellt, dessen Kunst und Leben nicht zu trennen ist – ein Maler, Schauspieler, Schriftsteller, Musiker, Trinker, Tänzer, Reisender, Charmeur, Enfant terrible und Selbstinszenierer, kurz: ein „Exhibitionist“, wie er selbst sagte. Diese Durchdringung von Persönlichkeit und Werk sowie der ungeheure Facettenreichtum seiner künstlerischen Produktion sollen nun in der gesamten Bandbreite seines kreativen Schaffens visualisiert werden. Grundlage ist die Friedrich Christian Flick Collection, in der sich so zentrale Werke befinden wie Uno di voi, un tedesco in Firenze (1976–1977), Martin, ab in die Ecke und schäm dich (1989) oder Kippenbergers zahlreichen Zeichnungen auf Hotelpapier.
„Martin Kippenberger: sehr gut | very good“ will jedoch keine Retrospektive sein, sondern eine Annäherung an die private und öffentliche Person sowie den Künstler Martin Kippenberger. Etwa 300 Werke – private Fotografien, Bücher, Plattencover und Filme – werden ab 23. Februar 2013 im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin zu sehen sein. (off. press)
Madrid, Museo Thyssen‐Bornemisza, 4 June to 15 September de 2013
PISSARRO
The Museo Thyssen‐Bornemisza is presenting the first monographic exhibition in Spain on the Impressionist painter Camille Pissarro (1830‐1903). The exhibition brings together 80 works loaned from numerous museums and collections world‐wide, including a famous palette on which the artist painted a rural scene using all the colours of the spectrum. Landscape, the prevailing genre within Pissarro’s oeuvre, provides the focus of the exhibition, which is organised chronologically around the different places in which the artist lived and worked. While Pissarro spent most of his life in villages such as Louveciennes, Pointoise and Éragny, the last two rooms in the exhibition are devoted to the urban views that he painted in the last decade of his life, including his numerous depictions of Paris, London, Rouen, Dieppe and Le Havre.
Curated by Guillermo Solana with Paula Luengo as technical curator and produced by the staff of the Museo Thyssen‐Bornemisza, this exhibition will firstly be shown in Madrid, from 4 June to 15 September, after which it opens on 15 October at the CaixaForum in Barcelona. The catalogue includes an essay by the curator, a lengthy chronology by Paula Luengo and two texts by the leading specialists on Pissarro: Richard R. Brettell and Joachim Pissarro (a descendent of the artist). (off. press)
München, Haus der Kunst, 9. Juni bis 29. September 2013
Joelle Tuerlinckx - World (K) in Progress?
Die Ausstellung ist eine Retrospektive in drei Teilen und an drei Orten: Brüssel, München und Bristol. Joëlle Tuerlinckx (geb. 1958 in Brüssel) zeigt Arrangements aus Skulpturen, Fundobjekten, Vitrinen, Fotografien sowie Collagen aus Papier, Zeitungsausschnitten und Zeichnungen. Dabei zitiert sie Konventionen, die wir nutzen, um Archivmaterial, oder allgemein: unser Wissen zu präsentieren. Sie erinnert mit Steinen an die Präsentation von Mineralien in Naturkundemuseen, mit Kompassen an Marinemuseen, und erweckt mit Zeitungsausschnitten den Eindruck, es handle sich um dokumentarisches Material.
Durch die fast exzessive Anhäufung von Material erzeugen einzelne Abschnitte den Eindruck von großer Fülle – etwa wenn Tuerlinckx für ihre Objekte so unterschiedliche Präsentationsformen wie Sockel, Petersburger Hängung und Projektionen zugleich nutzt. Die Arrangements ergeben jedoch kein enzyklopädisch, historisch oder analytisch angelegtes Ganzes. Kombiniert mit Papierkreisen, Zeichnungen, Fotografien oder einzelnen ausgeschnittenen Buchstaben, ist das Ergebnis vielmehr eine rein assoziative Erzählung über das Durchqueren von Räumen und das Erforschen von Zeitabschnitten. (off. press)
Kopenhagen, Statens Museum for Kunst, National Gallery of Denmark, until 20 October 2013
Statens Museum for Kunst will be in full bloom when this year’s major spring exhibition presents a lush and comprehensive array of flower paintings spanning two centuries of art. The exhibition offers a sumptuous walk through the rich and varied world of flowers, but also digs deeper down to show us that a flower is not just simply a flower.
More than a flower
Depictions of flowers and plants have existed as long as the visual arts – and have undergone as many changes. Perhaps precisely because flower pictures are more than merely decorative. Focusing on the rich variety of 17th and 18th century flower painting the exhibition homes in on how the artists’ depictions of flora are affected by their historical setting, and how the genre is always shaped by and contingent on the prevalent world view of its era.
From symbols to species
The exhibition homes in on a period where the world view of the medieval and Renaissance eras is slowly replaced by a new and rather more scientific approach. Flowers move away from being symbols of a wide variety of things, and flowers in art become part of modern science with its systematic classification of nature and its species. From being part of a complex network of meanings that are difficult to decipher today the flower begins to refer to its own nature, often depicted with a hitherto unseen level of detail. The exhibition elucidates this shift in world views and how that transition can be seen in German, Flemish, and Dutch flower painting. (off. press)