 |  |  |  |  |
Anzeige
Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza, 28 February to 20 May 2012
INTO INDIA.
South Asian Paintings from the San Diego Museum of Art
From 28 February, the Museo Thyssen-Bornemisza will be holding the first exhibition in Spain of a selection of South Asian paintings from the San Diego Museum of Art, California. The exhibition will offer visitors a unique opportunity to appreciate the entire evolution of Indian painting from the 12th to the mid-19th centuries through 106 paintings, prints and manuscripts. Together they reveal the remarkable capacity of the artists who created them to adapt and modify their traditional styles without losing their uniquely Indian character.
Assembled by Edwin Binney (1925-1986) and comprising nearly 1,500 works, this exceptional collection is defined by its encyclopaedic, academic nature, as a result of which it offers a comprehensive survey of the history of Indian art. Binney’s aim was to ensure that every expert in South Asian artist found a key work in relation to their particular subject of research in his collection. According to Professor Pramod Chandra of Harvard University, one of the first experts on Indian art: “The collection includes numerous works of outstanding quality, both in themselves and for the way that they cast light in an exceptional manner on the nature of a style. I know of no other collection assembled by a single person that has achieved that aim, which is so difficult and requires so much thought.”
Indian painting varies considerably from region to region and also depends on period and class structure, although it also reveals shared characteristics that survive across time and geography, including the above-mentioned flexibility of the artists in question and in particular their minutely detailed, painstaking approach. The use of extremely fine brushes, sometimes made with just two hairs, and of magnifying glasses allowed artists to paint these works, which are almost miniatures, encouraging the viewer to study them at length in order to appreciate the wealth of details in the depiction of figures, backgrounds and landscapes. (off. press)
Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza, to 20 May 2012
CHAGALL
Curator: Jean-Louis Prat
The first retrospective on the Russian artist Marc Chagall to be organised in Spain open on 14 February at the Museo Thyssen-Bornemisza and Fundación Caja Madrid. More than 150 works from public and private collections and institutions around the world will be on display in the two venues, offering a complete overview of the career of one of the leading artists of the 20th century: a unique creative figure with a highly distinctive style who played a key role in the history of modern art. The MoMA and the Guggenheim in New York, the Kunsthaus Zurich, the Kunstmuseum Berne, the Stedelijk Museum Amsterdam, the Tel Aviv Museum of Art, and Tate Modern in London are among the twenty international museums that have lent key works from their collections, to be seen alongside others from private collections. Particularly important is the loan from the Centre Pompidou in Paris, which is sending 20 works, and that from the artist’s family, which has been particularly generous in this respect. The result is a large and comprehensive group of masterpieces selected by the exhibition’s curator, Jean-Lous Prat, President of the Comité Chagall. Together they will make this exhibition a major and unrepeatable artistic event and one that will offer visitors a unique opportunity to appreciate the wide-ranging and incomparable oeuvre of this essential figure.
“The Poet with Painter’s Wings”
Marc Chagall developed a highly expressive and colourist pictorial style that was closely linked to his own life and to the religious and popular traditions of the Russian Jewish community. Chagall combined elements from Cubism, Fauvism and Robert Delaunay’s Orphism to create a personal style that is difficult to categorise. Born in the small Russian town of Vitebsk, Chagall’s long life (he lived to be almost 100) was marked by the major historic events of the first half of the 20th century. A tireless creator and one always open to new experiences and to learning, Chagall’s output is rich and varied. Using his particular and unique style, he was permanently open to exploring new techniques (oil, printmaking, sculpture, ceramics, stained glass, etc) and to undertaking new projects. One important section of this exhibition, for example, is devoted to his Images from left to right: ..(off. press)
Kochel am See, Franz Marc Museum, 29. Januar – 27. Mai 2012
„Ich ist ein anderer“ – Gesichter einer Epoche Kirchner, Klee, Picasso
Die Entwicklung des Bildnisses in der Kunst der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts zeigt eine Sicht des Menschen, der sich der eigenen Identität nicht mehr sicher sein kann. Angelehnt an ein Zitat des französischen Dichters Arthur Rimbaud, der bereits 1871 das Befremden dem eigenen Handeln und Befinden gegenüber in dem Satz „Ich ist ein anderer“ ausdrückte, zeigt das Franz Marc Museum eine Ausstellung mit Bildnissen aus einer Epoche des gesellschaftlichen und künstlerischen Umbruchs. Zwischen dem kubistisch inspirierten Portrait der „Fernande“ (1909) von Pablo Picasso und einer Serie gezeichneter Physiognomien Paul Klees von 1939 wird ein Panorama des Bildnisses in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts entfaltet.
Gezeigt werden u.a. graphische Portraits, Gemälde und Skulpturen von: Pablo Picasso, Alexej von Jawlensky, Oskar Kokoschka, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein, Ludwig Meidner, Wilhelm Lehmbruck, Otto Dix, Paula Modersohn Becker und Paul Klee.
Zur Ausstellung erscheint ein Katalogheft. Hrsg.: Franz Marc Museumsgesellschaft mbH, Cathrin Klingsöhr-Leroy (off. press)
Liverpool, Tate Liverpool, 24 February – 27 May 2012
Free Entry
ARTIST ROOMS returns to Tate Liverpool in 2012, with a display of seven important works from Turner Prize winning artist Martin Creed (b. 1968). These works have recently been donated by Creed jointly to Tate and National Galleries of Scotland for the ARTIST ROOMS collection. Creed is the first new contemporary artist to join the collection since it was established in 2008.
Born in 1968 in Wakefield, Creed grew up in Glasgow. He studied at the Slade School of Fine Art, and has exhibited extensively worldwide.
The seven works presented in ARTIST ROOMS Martin Creed are in a range of different media including a neon installation, Work No. 890 (Don’t Worry) 2008, a 21-part drawing, Work No. 944 2008 and a recent series of four paintings from 2011.
Refreshing, unexpected and humorous, Creed’s work challenges our preconceptions and rearranges the rules of conceptual art.
ARTIST ROOMS is jointly owned by Tate and National Galleries of Scotland and was established through The d’Offay Donation in 2008, with the assistance of the National Heritage Memorial Fund, the Art Fund and the Scottish and British Governments. ARTIST ROOMS On Tour is an inspired partnership with the Art Fund – the fundraising charity for works of art, making the ARTIST ROOMS collection of international contemporary art available to galleries throughout the UK.
Stuttgart, Staatsgalerie, bis 28. Mai 2012
Turner - Monet - Twombly
Later Paintings
William Turner (1775-1851), Claude Monet (1840-1926) und der erst vergangenen Sommer verstorbene Cy Twombly (1928-2011) zählen zu den herausragenden Künstlern der letzten 200 Jahre. Erstmals in Deutschland treffen in der Staatsgalerie Stuttgart knapp 70 Spätwerke der drei Künstler, darunter allein 20 Gemälde von Monet, aufeinander. In einer großzügigen Hängung entstehen - teilweise über die Raumgrenzen hinweg - faszinierende Zusammenspiele zwischen den farbintensiven Bildern. Durch die Gegenüberstellungen wird eine Vielzahl tieferliegender Bezüge zwischen Turner, Monet und Twombly aufgedeckt: Sie treffen sich nicht nur in der Art und Weise, wie sie mit Farbe experimentieren, die Möglichkeiten der Malerei ausloten und dabei in einer für die Zeitgenossen nicht immer verständlichen Weise mit der Tradition brechen. Ihre Werke berühren ähnliche Motive und Themen: Sie setzen sich mit Tod und Vergänglichkeit auseinander, mit Veränderungen im Fluss der Zeit, mit der Natur als friedlichem Rückzugsort, aber auch mit der Natur als Bedrohung des Menschen.
Dialog der Künstler
Das Prinzip der Ausstellung ist der Dialog: Einzelne Werke der Maler treten auf radikale Weise zueinander in Beziehung. Es wird hier keine Geschichte der Abstraktion erzählt, für die Turner, Monet und Twombly mit unterschiedlichen Anteilen stehen; vielmehr geht es um formale und motivische Korrespondenzen zwischen einzelnen Gemälden und innerhalb von Werkgruppen. Der Betrachter erlebt ganz harmonische Sektionen wie den Eröffnungsabschnitt "Atmosphäre", der dominiert wird von einer zurückhaltenden Farbigkeit und einer erstaunlichen Ähnlichkeit der drei Künstler in Bezug auf die Farbwirkung. Er wird aber auch mit provokativen Kontrasten konfrontiert, etwa wenn er Cy Twomblys fünf Meter lange Leinwand "Untitled (Blooming: A Scattering of Blossoms and Other Things)" (2007) in einem Raum mit Monets "Nymphéas" (1916-1919) aus der Fondation Beyeler vorfindet: eine abstrakte rote Komposition auf knallgelbem Grund trifft auf Monets subtil ausgewogene blaugrüne Farbstimmung. (off. press)
London, Tate Britain, bis 3. June 2012
Romance is in the air in the Clore Gallery, a major new display presents Romantic art in Britain, its origins, inspirations and legacies. Drawn from Tate's collection, it showcases major works by Henry Fuseli, JMW Turner, John Constable and Samuel Palmer, as well as newly-acquired works by William Blake. From Turner's reinvention of landscape to Blake's visionary histories, the display reveals the imagination and innovations of a generation defined by belief in creative freedom, rather than tradition or style. In addition, two rooms look at the legacy of The Romantics, presenting work by Graham Sutherland and others. (off. press)
Berlin, Martin-Gropius-Bau, 15. März bis 10. Juni 2012
Pacific Standard Time
Kunst in Los Angeles 1950-1980
Das Ausstellungsprojekt „Pacific Standard Time. Kunst in Los Angeles 1950-1980“ zeigt Entwicklungsprozesse der Kunstszene im Los Angeles der Nachkriegszeit. Die Stadt am Pazifik zeigt eine beeindruckend vielfältige und äußerst agile West-Coast-Kunstszene. Sie belegt damit, dass sie mehr ist als Hollywood und eine große Stadt im Land der Sonne und der Palmen. „Pacific Standard Time“ lenkt den Blick auf international vielbeachtete Künstler wie John Baldessari, David Hockney, Edward Kienholz oder Ed Ruscha als auch auf weniger bekannte Protagonisten wie die abstrakten Maler Helen Lundeberg und Karl Benjamin, Keramiker wie Ken Price oder John Mason und Bildhauer wie De Wain Valentine. Die Megaschau – in Los Angeles waren über 60 Institutionen und Galerien beteiligt – kommt mit den beiden wichtigsten Kernausstellungen des Getty Museum und Getty Research Institute nach Europa. Einzige europäische Station ist der Martin-Gropius-Bau in Berlin. „Pacific Standard Time“ ist die erste Ausstellung zur modernen Kunst des Getty Museum.
Jener Ausstellungsteil, der in Los Angeles im Getty-Museum unter dem Titel „Crosscurrents in L.A. - Painting and Sculpture 1950-1970“ zu sehen war, präsentiert Malerei und Skulptur. Im zweiten Teil, in Los Angeles zu sehen unter dem Titel „Greetings from L.A. – Artists and Publics 1950-1980“, werden Poster, Künstlerkataloge, Postkarten, Einladungskarten und andere Memorabilia gezeigt, die einen tieferen Einblick in die Netzwerke der Kunstszene jener Zeit in Los Angeles erlauben. Für Berlin wird die Schau um Fotografien von Julius Shulman ergänzt. Seine Architekturaufnahmen prägten in den 1950er Jahren entscheidend das Bild des kalifornischen Lebensstils. Seine Sensibilität, sein intuitiver und unvergleichlicher Sinn für Komposition und den 'entscheidenden Augenblick' brachten ihm den Ruf eines Meisters seines Fachs zu sein.
München, Kunstbau (Lenbachhaus), 31. März bis 15. Juli 2012
MARCEL DUCHAMP IN MÜNCHEN 1912
Zum hundertjährigen Jubiläum von Marcel Duchamps Aufenthalt in München hat sich das Lenbachhaus für 2012 das Ziel gesetzt, diese folgenreiche Station im Leben des Künstlers mit einer Ausstellung zu würdigen.
Marcel Duchamp hat die Kunstgeschichte verändert. Sein Gemälde „Akt, ein Treppe herabsteigend Nr. 2“ (1912) hat die Gedanken und Einflüsse einer ganzen Epoche zu einem ikonischen Bild verdichtet. Seine Readymades haben unsere Idee von Kunst, die Produktionsweisen von Künstlern und die Institution Museum so nachhaltig verändert wie kaum eine andere Werk gewordene Idee der Kunst des 20. Jahrhunderts.
Ende Juni 1912 steigt Duchamp in München aus dem Zug. Er will einen guten Freund besuchen, Max Bergmann. Er beschließt, länger zu bleiben und logiert bald zur Untermiete in einem Zimmer in der Barerstraße. Im Almanach des Blauen Reiter ist er als 25-Jähriger bereits als interessantes Talent erwähnt. Am Ende bleibt er knapp drei Monate, entwickelt mehrere bedeutende Arbeiten, die heute unter anderem im Museum of Modern Art in New York gezeigt werden, wie zum Beispiel das Gemälde „Von der Jungfrau zur Braut“. Er bereitet andere Arbeiten vor, darunter das „Große Glas". Beim Besuch des Deutschen Museums und der Bayerischen Gewerbeschau findet er wichtige technische Details als Inspiration für seine Arbeit. Er verschickt Postkarten vom Hofbräuhaus und vom Nymphenburger Schloss und lässt sich von Heinrich Hoffmann fotografieren. Oft besucht er die Alte Pinakothek. Dort haben ihn die Gemälde Lucas Cranachs d.Ä. nachhaltig beeinflusst. Er ist auch viel unterwegs. So setzt er sich, unsterblich verliebt, einen ganzen Tag in den Zug, um im französischen Jura am Bahnhof von Andelot-en-Montagne für wenige Stunden Gabrielle Buffet-Picabia zu treffen – sie ist mit dem Künstler verheiratet, deren Nachnamen sie trägt und der zu aller Verwicklung ein enger Freund Duchamps ist. Duchamps Reise nach München ist zugleich kunsthistorisch bedeutend wie anekdotisch aufschlussreich.
Später wird Duchamp selbst über diese Zeit notieren: "Mein Aufenthalt in München war der Ort meiner völligen Befreiung". ...
Kopenhagen, Statens Museum for Kunst, The National Gallery of Denmark, bis 12 August 2012
German World Images 1890-1930 - From Kollwitz to Nolde
To reinvent art! In some ways these words sum up the credo of the entire European avant-garde. The artists sought for answers to a range of questions: What is true art? What should it look like? And what should it be about? In Germany the discussion took on different nuances. Before and after the birth of the nation in 1871 the issue of a German identity was widely discussed. Not just in the inner circle of power, but also among philosophers, historians, and, of course, artists.
Homestead and outlook
The new exhibition at the Royal Collection of Graphic Art focuses attention on a period where Germany was one of the leading epicentres of the art world; a time when modernism truly gained ground and gave rise to a prolific range of modes of expression. The exhibition traces the artists’ attempts at answering questions about art and identity right from the 1890s, with their enthusiasm for the philosopher Nietzsche, up to the 1930s, when the nation was headed for disaster. From Käthe Kollwitz' compassionate depictions of the German people as represented by the working classes to Expressionism’s and Abstract art’s treatment of nationality and the universal nature of art. Among artists the endeavour to define the nation’s cultural identity gave rise to a sense of commitment that continually oscillated between the issues of class, being rooted in one’s homestead, and an international outlook.
Chronology and context
The exhibition presents more than 70 drawings, watercolours, and graphic works from the Royal Collection of Graphic Art and focuses on artists who were central figures and had considerable influence on the art scene of Germany during the period, regardless of whether they themselves were of German descent. The presentation reflects the chronology of the works; the exhibits have been divided into different periods and are shown in five exhibition rooms that juxtapose art with other epoch-defining cultural and historical events in Germany at the time. (off. press)
Berlin, Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof, bis 12. August 2012
Anthony McCall: Five Minutes of Pure Sculpture
Ab dem 20. April 2012 präsentiert der Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin „Anthony McCall: Five Minutes of Pure Sculpture“, die bis dato umfangreichste Museumsausstellung des Künstlers überhaupt. Der in New York lebende McCall (geb. 1946, St. Paul’s Cray, England) verwandelt die lichtdurchflutete historische Halle des Museums in eine weitläufige Black Box gefüllt mit Nebel und seinen einzigartigen Lichtprojektionen.
McCall hat seine einflussreichen solid light films seit den 1970er Jahren entwickelt. Sie existieren an den Grenzen von Film, Skulptur und Zeichnung: animierte Linien, die in einen dunklen, mit leichtem Dunst gefüllten Raum projiziert werden. So entstehen dreidimensionale Formen, die sich langsam im Raum bewegen; sie sind flüchtig, muten aber dennoch greifbar und körperlich an.
Der Hamburger Bahnhof zeigt bis zum 12. August 2012 eine in den letzten zehn Jahren entstandene Gruppe von Werken. Zum ersten Mal werden hier seine horizontalen Arbeiten zusammen mit den neuesten Werken ausgestellt: spektakuläre Lichtkegel, aus 10 Meter Höhe auf den Boden projiziert. (off. press)
Nürnberg, Germanisches Nationalmuseum, 24. Mai - 2. September 2012
Albrecht Dürer war der erste deutsche Künstler, der schon zu Lebzeiten europa- weites Ansehen genoss. Zum ersten Mal überhaupt widmet sich eine große Ausstellung dem frühen Werk Dürers und den Lebensumständen des jungen Malers, die sein einzigartiges Werk erst möglich machten. Erstmals wird seine künstlerische Entwicklung in den Kontext der Zeit gestellt, um Dürer aus der Isolation der Genie-Ästhetik zu befreien.
Fünf Ausstellungssektionen zu den Themen "Ich", "Ideale Nachbarschaft", "Neumachen & Nachmachen", "Der Dramatiker" und "Neue Kunst?" schlagen den Bogen von Biografie und Umfeld über die Kernphänomene des Frühwerks bis zur Frage nach Dürers Rolle als Archetyp des modernen Künstlers.
Einen Blick hinter die Kulissen gewährt einen Einblick in Interessantes rund um die Ausstellung: über das Team, die Kooperationspartner, die Restaurierung von Gemälden, die Sie ab Mai 2012 in der Ausstellung sehen werden und vieles mehr...
Wandeln Sie auf den Spuren Albrecht Dürers und nutzen Sie die vielfältigen Veranstaltungen des Rahmenprogramms. Unser Kalender wird ständig aktualisiert und erweitert und verschafft Ihnen einen Überblick über alle Veranstaltungen rund um die Ausstellung.
Kopenhagen, Statens Museum for Kunst, The National Gallery of Denmark, bis 16 September 2012
x-rummet - Emily Wardill
Brain and body
The exhibition marks the first presentation of Emily Wardill’s works in Denmark. Infused with a keen awareness of tradition and an equally strong urge to experiment, Wardill has established herself as one of the great innovators within video art. Her works point to alternative and fre-quently startling potentials for the medium of film and video, and the new exhibition, created especially for the x-rummet, reflects on how the brain and the body are linked.
Between performance and film
According to Emily Wardill the new film work for x-rummet occupies a po-sition somewhere between a thriller and a poem. Behind the colourful plot, which includes Internet dating, deceit, and possible espionage, Wardill’s work explores how consciousness, sensuousness, and physical existence operate in a kind of mutual feedback relationship. Taking its starting point in the relationships between the neurologist Eitienne, his students and patients, and the mysterious woman Slalem, the film looks at possible connections between bodily and emotional dysfunctions.
Wardill created the film in workshops conducted with actors at the Lilith Performance Studio in Malmö, Sweden. The artist and actors have worked in a field where film and performance meet and merge in a mutual exchange. ... (off. press)
Stuttgart, Kunstmuseum Stuttgart, bis 7. Oktober 2012
RASTERFAHNDUNG -
Das Raster in der Kunst nach 1945
Das Raster bestimmt wie keine andere Struktur die Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts. Für die Avantgarde, für Piet Mondrian oder die Bauhaus-Bewegung, ist dies weitreichend erforscht; die Bedeutung des Rasters in der Kunst seit 1945 wurde jedoch noch nie im Überblick dargestellt. Die Sonderausstellung »Rasterfahndung. Das Raster in der Kunst nach 1945«, die von 5. Mai bis 7. Oktober 2012 im Kunstmuseum Stuttgart präsentiert wird, schließt diese Lücke am Beispiel von 50 Künstlern. Auf 2.500 Quadratmetern Ausstellungsfläche werden Werke von Sigmar Polke, Chuck Close oder Roy Lichtenstein zum Thema Raster befragt. Auch zahlreiche Arbeiten junger Künstler wie Esther Stocker, Sarah Morris, Michiel Ceulers und Tim Stapel machen das immense gestalterische Potenzial der Rasterstruktur deutlich. Für die großzügig von der Kulturstiftung des Bundes sowie der Stiftung Froehlich und HUGO BOSS geförderte Sonderschau sind sieben große Raum- oder Wandarbeiten entstanden.
Als eigenständiges Bildthema begegnet das Raster erstmals bei Piet Mondrian, der 1918 eine Bildfläche mit einem gleichmäßigen Raster überspannte und die einzelnen Felder mit unterschiedlichen Farben ausfüllte. In den 1920er Jahren malte er die Rasterbilder, für die er heute berühmt ist. Seit Mondrian – so die These der amerikanischen Kunsthistorikerin Rosalind E. Krauss in dem bis heute zentralen Aufsatz zum Thema aus dem Jahr 1978 – wird das Raster zum bestimmenden Thema der Kunst. Umso erstaunlicher, dass es seither keine intensivere Beschäftigung damit gegeben hat und speziell das Raster in der Kunst seit 1945 noch nie in einer Ausstellung dargestellt wurde. (off. press)